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法兰西的艺术故事

2014/04/22 14:32:25 来源: 经济观察网 点击:1514次 评论:0条 【我要说两句】
内容概要:2014年中法文化之春,中国国家博物馆与法国博物馆联合会于2014年4月11日至6月15日联合主办“名馆·名家·名作——纪念中法建交五十周年特展”。




 2014年中法文化之春,中国国家博物馆与法国博物馆联合会于2014年4月11日至6月15日联合主办“名馆·名家·名作——纪念中法建交五十周年特展”。卢浮宫博物馆、凡尔赛宫和特里亚农宫博物馆、奥赛博物馆、毕加索博物馆、蓬皮杜现代艺术中心这五家世界著名博物馆协商合作为中国大众奉上法式艺术大餐。10件精品画作,5座复古展厅,8位艺术大师,浓缩了法国枫丹白露画派、立体派、印象派、抽象艺术派之经典巨作。这十幅名作创作于不同年代,诞生于不同乃至对立的政治背景下,但它们以各自的方式共同演绎着法国精神。

        法兰西建立在无数人的梦想之上,其中有伟人和势力强大的王公贵族,但也不乏出身贫寒的艺术家。法国文化是与外来文化交融的结果。最初改变法国面容的是痴情于意大利的弗朗索瓦一世。他是法国历史上第一位具有浓厚人文主义思想的国王,聘请了包括达芬奇在内的许多意大利艺术家入法国宫廷。在西方艺术史当中,肖像画创作有着悠久的历史。让·克鲁埃对法国国王弗朗索瓦一世的这幅肖像画作品也深受意大利风格影响。

        在弗朗索瓦之后又有紧盯西班牙的路易十四——他的母亲和妻子都是西班牙人,他不停地将法国放置于欧洲棋盘的中心位置。1700年,他成功地将自己的孙子扶上西班牙国王的宝座,并将法国变成了欧洲艺术中心。路易十四和他的孙子们雇佣大量画师描绘肖像画,尤其对亚森特·里戈的作品非常满意,马上又预订了第二幅肖像画放在凡尔赛宫。在完成路易十四肖像画之后,亚森特·里戈名声大噪,成为法国乃至全欧洲上流社会最炙手可热的肖像画家。他善于揣摩捕捉模特的个性,并将他们显赫的贵族头衔及其职务所带来的尊荣尽情表现在画中,出神入化的人物再现和光源照射下华美绝伦的服饰,让里戈成为同时代艺术家中的翘楚。

        西班牙画家毕加索同样“巧合地”选择了法国做他的第二故乡,也因此为法国艺术史谱写了最激动人心的篇章。毕加索出生于西班牙,那里的斗牛表演十分受欢迎,拥有西班牙血统的他也会经常观看。展出的《斗牛士》这幅作品是毕加索幼年时期完成的第一件油画作品,我们很难认出斗牛士的身影,因为一切都是变形的,只有人物手中的剑是唯一表明其身份的细节。整幅作品蕴含着寻根之意。

        在这次展览中的另一个作品呈现的是毕加索“古典时期”的画风——《读信(毕加索和阿波利奈尔)》,两个身材魁梧的男人并肩坐在石头上,非常熟络地将手臂搭在对方的肩膀上。这是一个安宁忧伤的瞬间,在画家深深的凝视中,时间停滞。阿波利奈尔是毕加索最亲密的战友和知己,给他证婚几个月后就猝然死去,阿波利奈尔的死讯传到毕加索耳中时,他在异乡的小旅馆里,正在刮胡子。自那以后,他不再画自画像,他讨厌镜子,受不了镜面凝视。毕加索作品的研究者布赫塞猜测,阿波利奈尔的死成了毕加索人生中不能痊愈的创伤:“他想起1918年11月那个悲痛的日子,在镜子里他看到自己错愕的、惊慌的表情。”

        毕加索死后,人们在他的画室里找到了这幅《读信》,在1915至1925年间,他重塑了安格尔留下的传统,以小丑的反讽精神重返了秩序。然而在《读信》里,没有戏仿,没有讽喻,只有自永恒的时间里漫出的悲伤渗透在画面上。毕加索生前从没有和人提起这幅画,是在他死后,人们从他的日记里得知,这画完成在1921年,为了纪念死去的阿波利奈尔。从这里,你可以读到法国忠诚的情感。

        法国还意味着承诺,承诺风流雅致的聚会。人们仿佛能听到绅士贵妇传来的欢声笑语和轻快舞步。能够表现这一承诺,用画作记录巴黎生活、蒙马特尔艺术家聚居区、那里的舞会和花园,舍印象派大师雷诺阿其谁?
展出的《煎饼磨坊的舞会》和《秋千》足以称的上是奥赛博物馆的“镇馆之宝”。画作中描述的是19世纪下半叶刚刚经历过都市改革的巴黎。宽阔的林荫道,时髦的社交场所,咖啡馆及夜总会,无一不成为画家们的新主题。而位于巴黎北部蒙马特高地额那些纵横交错的小巷和老式建筑中,依旧充满了浓厚的乡村气息,雷诺阿便是最早落地在此地的画家之一。在那里,他经常看到前来放松和呼吸新鲜空气的工薪族和城里人。雷诺阿记录下了这样的场景:人们像朋友一样聚集在“煎饼磨坊”——一个可以跳舞的露天咖啡馆。它们的青春活力和自然魅力激发了雷诺阿的创作灵感。

        19世纪,在主流艺术依然偏爱宏大庄严的历史题材之时,雷诺阿的作品却与之相左,他喜欢刻画转瞬即逝的瞬间和生活的乐趣,其中最爱描绘一天中某个时刻的阳光。他想描绘“眼睛看到的东西”,作画很快,笔触很粗,用色彩的间杂、快而密的笔触,描绘光线的变化、水流、雾气、池塘这些流动的东西,截取那一瞬间,最真实的东西。如《煎饼磨坊的舞会》和《秋千》中的树影是蓝紫色的,而斑驳的阳光则是粉色的;秋千上姑娘的白裙用许多看似凌乱的色点,如七色光一样汇聚起来,反而使裙子看上去是白色的,给人以阳光闪烁的感觉。这种新的绘画方式正是“印象派”的特色。所以,看他的画,别鼻子贴着画死看;退后一点,看全体,感受他试图给你的那种整体感,那种质感和印象。

        与公众见面的最后一位画家是苏拉热。作为法国二十世纪前卫运动的活跃者,皮埃尔·苏拉热认为,绘画不仅要摆脱对真实的表现,更要摆脱对一切意义、象征和情感的表现。他曾这样定义过绘画:“一种行与色的组合,加上人们所赋予的或消解的意义。”因此,苏拉热并不将艺术当成一种交流途径,而是将化作看成是一个“物件”,这个“物件”真实存在,而观众则可对其进行自由诠释。纵观苏拉热的作品,黑色几乎是永远的主旋律。然而,在整个围绕黑色进行创作的艺术生涯中,苏拉热开创了多种不同方式。苏拉热让画布上的颜料年复一年地主导着自己的创作,他没有做过任何抵抗,反而更加专注于颜料的质感和其出现的效果。因此,与其说他是在描绘黑色,不如说他是在雕刻黑色。他所使用的绘画工具,有时让画的表面平整,有时在表面产生许多肌理效果,以此充分体现光影效果和色彩。如果你观赏的时间不同、角度不同,就可能欣赏到独一无二的苏拉热画作体验。

        苏拉热的抽象画,黑线后的白点,极好地总结所有这些作品的共同精华:画作即光与影的舞台,艺术家用画笔勾勒或用光线照亮出形状,各种形象在其中获取生命,娓娓讲述着故事。



 

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